تصوير فنان لروماني مريض

تصوير فنان لروماني مريض


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


الفن الكلاسيكي الحديث: إحياء الذوق اليوناني الروماني

جاك لويس دافيد "قسم الحوراتي" 1784. متحف اللوفر. باريس. فرنسا.

انتشر الفن الكلاسيكي الحديث في أوروبا في منتصف القرن الثامن عشر ، حيث استمد الأسلوب بشكل كبير من عصر النهضة والفن والعمارة والثقافة اليونانية والرومانية الكلاسيكية. كانت جذور الحركة مدفوعة في المقام الأول بالاكتشافات المعاصرة للمواقع الأثرية اليونانية والرومانية التي قدمت عرضًا مباشرًا غير مسبوق للعصور القديمة. من المباني المكملة بأعمدة مستوحاة من المعابد اليونانية إلى التراكيب الكبيرة للرسومات الفرنسية في القرن الثامن عشر ، استدعت الكلاسيكية الجديدة بعض السمات والزخارف الأكثر شهرة للفن الكلاسيكي ، مما يدل على اهتمام متجدد بالتناظر والتناغم ونسب العصور الكلاسيكية القديمة.


تراجيكوكوميديا

بدأت كتابة هذا المقال في عام 2000 ، بينما كنت لا أزال أبحث عن درجة الدكتوراه في كامبريدج. لقد تم الانتهاء منه إلى حد كبير ، ولكن مع وجود ثغرات كبيرة قررت أخيرًا سدها. كنت أنوي في الأصل البحث فيها بشكل مكثف وتقديمها للنشر في مجلة أكاديمية ، ولكن في النهاية بدا الأسلوب أكثر صحفيًا وطوله الباهظ استبعد أي أمل النشر في جريدة أو مجلة. لذلك ، بعد كل هذه السنوات ، ها هو!

الإصدار الأخير لفيلم ريدلي سكوت المصارع أثار مرة أخرى الاهتمام بهذا النوع الذي بدا أنه محكوم عليه بالفشل أبدًا. كانت التكاليف الباهظة والجاذبية المشكوك فيها هي الذكريات الدائمة بعد التكلفة الباهظة وغير الناجحة كليوباترا والمثقل سقوط الإمبراطورية الرومانية. بعد عام 1964 ، لم يكن أحد غنيًا بما يكفي أو غبيًا بما يكفي للاستثمار في مشروع بهذا الحجم.

المصارع، أول ملحمة رومانية منذ ما يقرب من أربعين عامًا ، بينما تلقى آراء متباينة من النقاد ، أثبتت شعبيتها لدى رواد السينما في جميع أنحاء العالم. قصة سقوط ماكسيموس من مرتفعات القوة الزلقة كجنرال روماني فاتح ، إلى بيعه كعبيد وتطوره كمصارع عظيم ، من المؤكد أنها تقدم تسلية رائعة للمتعة. المواقع الغريبة والمعارك الواسعة والمجموعات الرائعة والمشاهد الملحمية حقيقية لتشكل ملحمة "السيف والصندل" ، وبمساعدة التكنولوجيا الحديثة والاهتمام الأكبر بالتفاصيل الدقيقة ، المصارع يضع معيارًا جديدًا لاستحضار الخام و "الواقعي" للعالم الروماني. ومع ذلك ، ما هو محبط للغاية المصارع هو افتقارها إلى الدقة التاريخية السياقية.

النوع الذي المصارع الانتماء كان دائمًا معيبًا. اجتذبت الملاحم الرومانية انتقادات لكل من دقتها التاريخية وخصائصها الدرامية. الملاحم الرومانية ليست أفلامًا تاريخية بقدر ما هي مركبات لمواضيع أخلاقية أو أيديولوجية أخرى غالبًا ما تكون عفا عليها الزمن ، مثل القومية والفاشية الإيطالية. خلاف ذلك ، فقد اتجهوا نحو الرومانسية الباذخة والفاخرة.

المصارع هو منتج مثير للاهتمام في سياق تاريخ الفيلم ، لأنه ينتقل مباشرة تقريبًا من حيث توقفت الملحمة الرومانية. لقد ولت التعليقات الصوتية الأخلاقية التي تقدم السياق التاريخي الذي انتهى ، حيث اختفى التشويه النموذجي للإمبراطورية الرومانية ، وهو التركيز الذي عفا عليه الزمن على المفاهيم المسيحية الحديثة للأخلاق والأخلاق. مكانهم لدينا فيلم علماني لا يبدو أنه يحمل أي رسالة على الإطلاق. هذا الغياب لأي غرض أخلاقي واضح وراءه المصارع هو ، جزئيًا ، ما يجعلها ملحمة رومانية أفضل من العديد من سابقاتها.

يمكن للأفلام التاريخية أيضًا أن يكون لها تأثير قوي جدًا على الجمهور ، من الناحية الإبداعية والعاطفية ، ولكن غالبًا بشكل خاص جدًا على حساب الهوية الوطنية. هذا هو الحال بشكل خاص عندما يصور الفيلم تصرفات مجموعة وطنية ، وخاصة في سياق نزاع دولي. الفلم شجاع القلب، على سبيل المثال ، أثار جدلاً حادًا حول تصويره ليس فقط لشخصيات تاريخية معينة ، ولكن أيضًا لعلاقة إنجلترا بأسكتلندا. لم يتم استقباله جيدًا على الإطلاق من قبل اللغة الإنجليزية.

يبدو من غير العادي أن التفسير السينمائي للأحداث التي حدثت منذ ما يقرب من سبعة قرون يمكن أن يتسبب في مثل هذا الحقد ، ومع ذلك فقد فعلوا ذلك. لذلك ، قد يكون بعض صانعي الأفلام حذرين بشأن تنفير الجماهير المحتملة ، الأمر الذي يثير السؤال حول ما إذا كانت الدقة التاريخية في السينما تعتمد على الدرجة التي يوجد بها خطر إزعاج أعضاء أي مجموعة اجتماعية يمكن أن تتماهى مع الشخصيات. وأحداث الفيلم. حتمًا ، عندما يتعلق الأمر بالهويات الوطنية ، لا بد أن يشعر شخص ما بالضيق ، ومن المرجح أن يجد مخرج أو مؤلف السيناريو نفسه مضطرًا لتبرير أسباب تصويره.

ومع ذلك ، تحتل الملحمة الرومانية مكانة خاصة في مجموعة واسعة من الأفلام التاريخية. وذلك لأن الفترة التي تصورها بعيدة بما فيه الكفاية في الوقت المناسب لتجنب إثارة غضب أي مجموعة سياسية أو عرقية من خلال تصوير تاريخي غير عادل أو غير دقيق وبالتالي تحييد أي عداء اجتماعي محتمل مثل ذلك الناتج عن أفلام مثل شجاع القلب. قد يؤدي هذا إلى شرح رحلات الخيال التي يمكن للملاحم الرومانية الخوض فيها. الإنتاج التلفزيوني الأخير والمروع لـ كليوباترا كان مثالاً ممتازًا للدرجة غير العادية تمامًا التي يمكن بها التلاعب بالتاريخ.

المصارع هو إنتاج آخر لا يوجد فيه سوى القليل من الحقيقة التاريخية. يجب فقط الإشارة إلى أن مكسيموس لم يكن موجودًا ، وأن Commodus قد تم اختياره بالفعل كإمبراطور مشارك في 177 ، قبل ثلاث سنوات من وفاة ماركوس أوريليوس في 180 ، وأنه حكم حتى عام 193 عندما تم خنقه حتى الموت من قبل مصارع محترف بينما كان مستلقيًا في حالة سكر ، لتوضيح عدم الدقة التاريخية السخيفة للفيلم. علبة المصارع لذلك يسمى بحق فيلم تاريخي؟

في بعض المستويات ، وبالتحديد تلك المتعلقة بالملابس والتصميم الداخلي ، فإن صانعي المصارع بذلوا جهدًا مثيرًا للإعجاب لتحقيق الدقة التاريخية. ربما يكون من غير المجدي المجادلة بشأن المظهر الدقيق للمشهد الحضري الروماني في الوقت الذي كانت فيه الواجهات تلوح في الأفق ، والتماثيل التي وقفت في مكانها ، والقنوات المائية التي تم الانتهاء منها ، وحول الزخرفة الداخلية لكوريا مجلس الشيوخ. تلك الواجهات الكلاسيكية الجديدة التي تم تصويرها وقطعها ولصقها لإنشاء خلفية لمدينة روما لا ينبغي أن تزعجنا كثيرًا ، لأن التأثير ناجح على الأقل في نقل انطباع عن المقياس ، ويمكن القول ، "حداثة" التطور الروماني في ذروة قوة الإمبراطورية. ربما الأهم من ذلك ، أن الاهتمام بالتفاصيل في المعدات العسكرية ، والأزياء ، والأثاث ، والمتعلقات الشخصية ، وما إلى ذلك ، يعد تقدمًا كبيرًا في التصوير السينمائي السابق للإمبراطورية الرومانية.

من الإيجابيات الأخرى للفيلم أنه يحاول خلق سياق فكري واجتماعي وثقافي أقل عفا عليه الزمن. في كثير من الأحيان ، نظرًا للحاجة إلى تعريف الجمهور بالسياق التاريخي ، تميل أفلام الفترة إلى أن تكون مليئة بالحوار والعرض التوضيحيين ، والتي تتعثر أحيانًا بشكل غير مريح من شفاه الأبطال. المصارع إلى حد ما أكثر نجاحًا في وضع هذه الخلفية في سياقها وجعلها عرضية للفيلم.

ومع ذلك ، من المنطقي أن نتساءل لماذا تم بذل كل هذا الجهد في التفاصيل الدقيقة ، في حين أن السياق الأوسع الذي يتم فيه نقل كل التفاصيل هو تقريبًا خيالي تمامًا؟

يقدم المخرج ريدلي سكوت أفضل إجابة على هذا السؤال. عندما سئل عما جذبه إلى الفيلم ، وصف أول لقاء له مع المنتج والتر باركس ، حيث ألقى باركس ببساطة مطبوعة مطوية للوحة الشهيرة لمصارع جان ليون جيروم في الكولوسيوم. قال سكوت: "هذا ما جذبني ، لقد كان رد فعل عميق تمامًا على اللوحة."

المصارع من الأفضل وصفها بأنها تجربة عميقة. بدلا من أن يكون فيلما تاريخيا ، المصارع هو فيلم "بشري" في سياق تاريخي خيالي ، تدعم تاريخيته إعادة بناء دقيقة لمظهر العالم الذي يتم تمثيله. إذا أردنا أن نحاول التعريف المصارع علاوة على ذلك ، ستكون قصة نضال الفرد ضد الظلم ، والولاء لمثل مهدد من الاستبداد المستنير أو الحكومة الجمهورية.

ومع ذلك ، من المغري أن نكون أكثر تشاؤمًا وأن نقول إنه بالنظر إلى عدم مراعاة السرد التاريخي ، فهو في الأساس وسيلة للتأثيرات الخاصة العظيمة وتسلسلات العمل المبتكرة. بعد كل شيء ، بدأ المشروع مع وضع الحلبة في الاعتبار فقط. كان النص ، الذي احتاج إلى قدر كبير من العمل ، يمتد إلى خمسة وثلاثين صفحة فقط وخضع لعدد من التحولات خلال التصوير. ربما كنتيجة لبساطة مفهومها الأصلي ، من الصعب العثور على أي رسالة جادة فيها المصارع. إذا كان على المرء أن يبحث عن رسالة تاريخية فيه ، فإن كل ما يجد حقًا هو أن ماركوس أوريليوس كان رجلاً صالحًا ، وكان كومودوس رجلاً سيئًا ، وكانت الحياة صعبة وهشة ، وأن الحكومة الجمهورية الرومانية ، أي حكم مجلس الشيوخ ، كانت كذلك. مثالية عزيزة.

يمكن أيضًا أن يُساء فهم أن الرسالة الأساسية للفيلم هي الكشف عن أهوال القتال المصارع ، المصارع يصور مسابقات المصارعة بواقعية مذهلة للغاية ، على الرغم من أن ما نراه لا يمثل شيئًا للمذبحة الواسعة والمتقنة التي حدثت غالبًا في الكولوسيوم وساحات أخرى حول الإمبراطورية. إن أهوال العبودية وبدء المعارك حتى الموت ، يتردد صداها بقوة مع غضبنا الحديث من مثل هذه "وسائل الترفيه". إن التأكيد على إنسانية العبيد والمصارعين هو أمر مؤثر بعمق بالنسبة لنا الذين نقدر الحرية والحياة البشرية بشكل كبير. ومع ذلك ، هذا ليس في الحقيقة مصدر قلق المصارع. في الواقع ، إذا نظر المرء إلى موقع الويب ، يتضح تمامًا أن الفيلم يهتم بتمجيد الساحة أكثر من أي شيء آخر.

هذا ليس بالضرورة أمرًا سيئًا ، لأنه ليس مفارقة تاريخية. في الواقع ، من مشاكل الفيلم سبارتاكوس هو أنه يصنع الكثير من تمرد العبيد كنوع من الحركة الأيديولوجية ضد إمبراطورية قمعية وشريرة ، ويؤسس سبارتاكوس كنوع من الثوري الشيوعي البدائي. لا يمكننا أن نتجاهل أن العبودية كانت شيئًا جوهريًا تقريبًا في العالم القديم ، كان الفرس والمصريون واليونانيون والقرطاجيون جميعًا لديهم اقتصادات قائمة على العبيد ، وسيكون من الصعب القول إن أيًا من هذه الحضارات كانت أكثر شمولاً ، وأكثر من ذلك. متسامحة ، أو قدمت نظامًا أفضل للبنية التحتية الاجتماعية مما فعلت روما. على الرغم من أننا نشعر بالفزع من العبودية ، فإن تشويه سمعة الإمبراطورية الرومانية لاستخدامها هو بالأحرى تشويه سمعة الطفل لتبنيه عادات والديه والمجتمع ككل.

ومع ذلك ، بينما سبارتاكوس قد تكون مليئة بالإيحاءات الماركسية ، إنه أحد الأفلام الملحمية الرومانية القليلة التي تحاول أن تظل وفية للرواية التاريخية المفهومة لما تصوره ، باستثناء استنتاجها الملفق. (لم يتم استرداد جثة سبارتاكوس من ساحة المعركة أبدًا.) إنه فيلم ممتاز وإنساني وعميق الحركة ، وله "تاريخية" أكبر من العديد من أسلافه.

عندما سئل عن سبب اختفاء الملاحم الرومانية لمدة أربعين عامًا ، قال ريدلي سكوت: "لقد وصلوا إلى نقطة التشبع ثم ذهبوا ببساطة لأن كل قصة بدت وكأنها قد استنفدت."

قد يؤدي هذا الرد إلى حد ما لشرح السبب المصارع هو في الأساس خيال. ومع ذلك ، في الوقت نفسه ، قد يكون الشيء ذاته هو الذي سيسمح للملحمة الرومانية بإعادة الظهور كنوع أدبي. لم يسمع أحد عن مكسيموس من قبل ، ولن تسمع الغالبية العظمى من الجمهور عن Commodus أيضًا. هذا لم يعرقل بأي حال من الأحوال المصارعنجاح. ليس هناك الكثير من الناس خارج المملكة المتحدة ، وربما كان هناك عدد محدود فقط من الناس قد سمعوا عن ويليام والاس قبل إطلاق سراحه. شجاع القلب. التاريخ الروماني غني جدًا لدرجة أنه يمكن استخراج عدد لا يحصى من القصص ببراعة دون الحاجة إلى تغيير السياق. بدلاً من التحول إلى الخيال ، حان الوقت الآن لكُتَّاب الشاشة ليحرثوا بعمق التربة الغنية جدًا والواسعة للتاريخ الروماني من أجل الملاحم المستقبلية. بصرف النظر عن جميع القصص البشرية الأصغر للأفراد الذين وقعوا في أحداث التاريخ الروماني ، هناك مجال واسع للأفلام على نطاق أوسع. الإمبراطورية الرومانية المتأخرة على وجه الخصوص تستدعي الانتباه. لماذا لم يكن هناك ملحمة عن قسطنطين ، أو عن كيس ألاريك لروما عام 410؟ ماذا عن غزو أتيلا الفاشل للإمبراطورية الغربية المتعثرة عام 451 ، ولا سيما المعركة الملحمية في السهول الكاتالونية؟

الافراج عن المصارع هو حدث مثير ومهم للغاية في تاريخ الفيلم. لديها القدرة على إعادة إحياء النوع الميت وتحديد اتجاه جديد لهذا النوع. ل ، واحدة من أكثر الجوانب الواعدة المصارع هو أنه يتجنب الجدل ضد الحكم الروماني الذي كان من سمات العديد من أسلافه. إنه يتعاطف بشكل أكثر نجاحًا مع الفترة التي قدم فيها مقطعًا عرضيًا أكثر إنصافًا للمجتمع والأفكار الرومانية. في مشهد المعركة الافتتاحي ، قال Maximus 'Tribune Quintus بسخرية "يجب أن يعرف الناس متى يتم غزوهم". على أي رد مكسيموس ، "هل كنت سأفعل كوينتوس؟" في محادثة مع ماركوس أوريليوس ، يعترف ماكسيموس بأن العالم خارج روما مظلم ويمنع "روما هي النور" ، كما يقول بصدق. إن الوسائل التي يتم بها نقل التعقيد الأكبر للعالم الروماني أكثر دقة من العديد من الملاحم الأخرى من هذا النوع وأقل تهيمن عليها الاهتمامات السياسية والدينية والأيديولوجية الحديثة.

غالبًا ما كانت الأفلام الرومانية الأولى متجذرة في أجندة أيديولوجية قوية. ، الفيلم الإيطالي لعام 1914 كابيريا، التي تدور أحداثها خلال الحرب البونيقية الثانية (218-202 قبل الميلاد) ، أنتجها القومي المتطرف غابرييل دانونزيو وتم إطلاقه بعد فترة وجيزة من الحرب الإيطالية التركية ، التي غزت فيها إيطاليا المقاطعات العثمانية في طرابلس وبرقة في شمال إفريقيا. وبالمثل ، فيلم 1937 سكيبيون لافريكانو، الذي يصور حياة سكيبيو أفريكانوس ، الجنرالات الأكثر نجاحًا في روما خلال الحرب البونيقية الثانية ، وتبع ذلك في أعقاب الغزو الإثيوبي لموسوليني.

فيلم Hollywoodfilm عام 1964 ، سقوط الإمبراطورية الرومانية، يقرأ مثل مقال أخلاقي وضعي يسعى إلى وضع حجة تاريخية أكثر وضوحًا. بطولة أليك غينيس في دور ماركوس أوريليوس وكريستوفر بلامر في دور كومودوس ، لديها العديد من أوجه الشبه مع المصارع من حيث أنه يركز أيضًا على انضمام وحكم Commodus. إنها تجادل بشكل أساسي بأن عهد Commodus وما حدث بعد ذلك مباشرة ، أي مزاد الإمبراطورية لأعلى مزايد (يتجاهل فترة حكم Pertinax القصيرة) كان بداية الانحدار الذي كان سيؤدي إلى سقوط الإمبراطورية في نهاية المطاف "، رغم أن هذا لم يحدث في الغرب منذ مائتين وخمسين عامًا أخرى. يعود هذا التفسير الخاص لسرد التاريخ الروماني إلى جيبون ، الذي حدد لأول مرة عهد كومودوس كنقطة تحول مهمة بعد الحكم الأكثر استنارة لماركوس أوريليوس.

أحد الموضوعات المركزية لـ سقوط الإمبراطورية الرومانية، أي التجربة الاجتماعية لتوطين البرابرة كمزارعين في الأراضي الرومانية ، كان تبسيطًا مفرطًا لقضية تم التعامل معها ، في الواقع ، على المستوى الأكاديمي والفلسفي بشق الأنفس في أواخر الإمبراطورية الرومانية ، والتي كانت نتائجها مركزية بالنسبة للإمبراطورية الرومانية. انتقال تدريجي للسلطة الرومانية في الغرب في القرن الخامس.

من المحتم أن يتم إخفاء التعقيدات السياسية والاجتماعية في فيلم تاريخي & # 8211 لن يجلس الجمهور في فيلم يصور بتفاصيل شاقة التعقيد المذهل للبيروقراطية الرومانية & # 8211 ومع ذلك يمكن أن يكون مثل هذا التعقيد التلميح إليها من خلال الغموض المثير للتفكير ، بدلاً من أن يكون صريحًا بشكل شاق. من الناحية المثالية ، يجب أن يكون السياق الروماني عرضيًا للفيلم وأقل وضوحًا ، خاصةً عندما تكون الكليشيهات الراسخة هي الملاذ الوحيد بخلاف ذلك. عادةً ما تم تصوير الإمبراطورية الرومانية على أنها منظمة شريرة قاسية يديرها مجانين لا يرحمون. المصارع على الأقل ذهب إلى حد ما نحو الإيحاء بأن Commodus كان مجرد مثال على جنون العظمة القاسي والضعيف والطموح في عالم من البشر عاقلين مع هويات معقدة.

فيلم 1951 MGM كو فاديسومع ذلك ، يبدأ بخطابات طويلة ومذهلة ضد طبيعة القوة الرومانية ، تستند كليًا إلى المفاهيم المسيحية الحديثة للأخلاق والأخلاق ، والتي هي بعبارة ملطفة ، عفا عليها الزمن في إمبراطورية القرن الأول الميلادي. مثل هذه الانتقادات للسلطة الرومانية كما كانت موجودة في القرن الأول ، نادرًا ما ركزت على اللاأخلاقية واللاإنسانية في مسابقات المصارعين أو العبودية ، بدلاً من التصور القديم للحرية وتقرير المصير ، والتي ، للأسف ، غالبًا ما تُترجم على أنها حرية الآخرين. الأرستقراطية أو الأوليغارشية الدينية لإدارة نظامها الاستبدادي الحصري.

في الواقع ، من المحتمل أن تكون الدرجة التي يتم بها تشويه سمعة الدولة الرومانية في السينما موازية فقط لتصوير ألمانيا النازية في فترة ما بعد الحرب. من المؤكد أن الإمبراطورية الرومانية كانت كيانًا قسريًا جسديًا شجع الممارسات التي نجدها بغيضة ، ولكن بالنظر إلى السياق الذي نشأت منه ، كانت نموذجًا للدول المتحضرة القديمة في البحر الأبيض المتوسط ​​والعالم الشرقي القريب. كانت الإمبراطورية الرومانية نظامًا شاملاً وليس حصريًا يشجع الحرية الدينية ، (باستثناء بعض المعارضين المزعجين الذين يعبدون نجارًا ميتًا) ، والذي قدم خدمات عامة هائلة ومتطورة ، والصرف الصحي ، والتعليم والأمن ، والتي دافعت عن التجارة الحرة ، والتي ، تحت باكس رومانا، كما دافع عن السلام.

كتب مؤرخ القرن الثامن عشر العظيم إدوارد جيبون ذات مرة:

"إذا تم استدعاء رجل لإصلاح الفترة في تاريخ العالم التي كانت فيها حالة الجنس البشري أكثر سعادة وازدهارًا ، فإنه سيطلق ، دون تردد ، على ما انقضى منذ وفاة دوميتيان إلى انضمام كومودوس . (م 96-180). "

خلال حياة جيبون ، كان لهذه الملاحظة رواج أكبر بكثير ، خاصة عندما نعتبر أن الإمبراطورية البريطانية لم تكن قد ألغت العبودية بعد بحلول وقت وفاته. من الواضح أنه لا يوجد عذر للعبودية في أي سياق ، لكن هذا هو إحساس حديث. حتى الديمقراطية الأثينية التي تم التباهي بها كانت تعتمد بشكل كبير على العمل بالسخرة ، ولم يعرضوا تمديد جنسيتهم إلى الغرباء كما فعل الرومان.

إلى حد كبير لهذا السبب المصارع يجعل خروجا عن سابقاتها. بدلاً من انتقاد الإمبراطورية الرومانية ككيان ، فإنه يسلط الضوء على حماقة وشرور بعض الأفراد. إنه يمثل نقطة تحول في تصوير التاريخ الروماني والعروض ، دون أن يكون دماغياً بشكل خاص أو دقيقًا من الناحية التاريخية ، موضوعًا وسياقًا أخلاقيًا أقل وضوحًا. إذا أدى نجاحه إلى صنع المزيد من مثل هذه الملاحم التاريخية ، فقد يكون هناك شيء من إعادة ولادة هذا النوع. في كلتا الحالتين ، وربما الأهم من ذلك ، ارتفعت معدلات الالتحاق بدورات التاريخ القديم في كل من المدرسة الثانوية والجامعة بشكل كبير في أعقابها. إذا كانت السينما لا تزال تلهم الطلاب للاهتمام بالتاريخ البعيد جدًا الذي يكمن وراء ثقافة وهوية ومؤسسات المجتمع الغربي الحديث ، فهذا بالتأكيد أمر إيجابي.


تصوير فنان لروماني مريض - تاريخ

الجذور في العصور القديمة
كان الفنانون يرسمون المناظر الطبيعية منذ العصور القديمة. أنشأ الإغريق والرومان لوحات جدارية للمناظر الطبيعية ومناظر الحدائق. بعد سقوط الإمبراطورية الرومانية ، تراجع تقليد تصوير المناظر الطبيعية النقية ، ولم يُنظر إلى المناظر الطبيعية إلا على أنها مكان للمشاهد الدينية والتصويرية. استمر هذا التقليد حتى القرن السادس عشر عندما بدأ الفنانون ينظرون إلى المناظر الطبيعية كموضوع بحد ذاته. يبدو أن التحول الفني يتوافق مع الاهتمام المتزايد بالعالم الطبيعي الذي أثاره عصر النهضة.

صعود المناظر الطبيعية في هولندا
المصطلح & # 34landscape & # 34 مشتق في الواقع من الكلمة الهولندية Landschap ، والتي تعني في الأصل & # 34region، tract of land & # 34 ولكنها اكتسبت الدلالة الفنية ، & # 34a صورة تصور مشهدًا على الأرض & # 34 في أوائل القرن السادس عشر (American Heritage القاموس ، 2000). كان تطوير المصطلح في هولندا في هذا الوقت منطقيًا لأن هولندا كانت واحدة من الأماكن الأولى التي أصبحت فيها المناظر الطبيعية موضوعًا شائعًا للرسم. في هذا الوقت ، سعت الطبقة الوسطى البروتستانتية الصاعدة إلى الفن العلماني لمنازلهم ، وخلق الحاجة إلى مواضيع جديدة لتلبية أذواقهم ، وساعدت المناظر الطبيعية في سد هذه الحاجة.

خارج هولندا ، لم يحظ نوع الرسم أو موضوع رسم المناظر الطبيعية بالقبول بعد من أكاديميات الفنون القوية في إيطاليا وفرنسا. وضع التسلسل الهرمي لموضوعات الرسم المحترمة رسم التاريخ ، الذي شمل الموضوعات الكلاسيكية والدينية والأسطورية والاستعاري ، فوق كل الموضوعات الأخرى. كانت الصور الشخصية والنوع (مشاهد من الحياة اليومية) والحياة الساكنة والمناظر الطبيعية تعتبر موضوعات أدنى للرسم. حتى عندما أصبحت المناظر الطبيعية مقبولة كموضوعات في القرن السابع عشر ، فقد تم إنشاؤها في كثير من الأحيان كمجرد أماكن للمشاهد التوراتية أو الأسطورية أو التاريخية.

ولادة المشهد الكلاسيكي
في القرن السابع عشر ولدت المناظر الطبيعية الكلاسيكية. تأثرت هذه المناظر الطبيعية بالعصور الكلاسيكية القديمة وسعت إلى توضيح منظر طبيعي مثالي يستحضر أركاديا ، وهو مكان أسطوري في اليونان القديمة معروف بجماله الرعوي الهادئ. وصف الشاعر الروماني فيرجيل أركاديا بأنها موطن البساطة الرعوية. في المناظر الطبيعية الكلاسيكية ، تم تصميم موضع الأشياء ، حيث تم وضع كل شجرة أو صخرة أو حيوان بعناية لتقديم مزاج متناغم ومتوازن وخالد. تم إتقان المناظر الطبيعية الكلاسيكية من قبل الفنانين الفرنسيين نيكولا بوسان وكلود لورين. قضى الفنانان معظم حياتهما المهنية في روما مستوحاة من الريف الروماني. كانت إيطاليا ، في هذا الوقت ، هي المكان المفضل للعديد من الفنانين ، الذين غالبًا ما كانوا يسافرون إلى هناك مع رعاة في Grand Tour. (تعرف على المزيد في العرض التقديمي على موقع الويب هذا من المعرض السابق إيطاليا في الجولة الكبرى.) جاء بوسين ، الذي ركز موهبته في سنواته الأولى على رسم التاريخ ، في وقت لاحق في الحياة ليؤمن أن المناظر الطبيعية يمكن أن تعبر عن نفس المشاعر القوية مثل الدراما البشرية المصورة في لوحات التاريخ. منذ ذلك الحين ، عمل على رفع مستوى المناظر الطبيعية إلى مكانة أعلى.

خلال القرن الثامن عشر ، استمرت إيطاليا في كونها مصدرًا شهيرًا للإلهام لفناني المناظر الطبيعية ، حيث زادت شعبية الجولة الكبرى وبلغت ذروتها في النصف الأخير من القرن. أصبحت فرنسا وإنجلترا مراكز جديدة لفن المناظر الطبيعية ، على الرغم من أن المثل العليا للمناظر الطبيعية الهولندية والإيطالية في القرن السابع عشر & # 8212 بما في ذلك النموذج الكلاسيكي & # 8212 احتفظت بشعبية. في حين أن المناظر الطبيعية كانت في الغالب بتكليف من الرعاة ، ظل الموضوع منخفضًا في التسلسل الهرمي للأكاديميات ، لا سيما في Acad & # 233mie Royale في فرنسا & # 8212an التنظيم القوي بشكل لا يصدق الذي وضع المعايير لما تم تدريسه وعرضه في الأمة.

القبول في الأكاديمية
في أواخر القرن الثامن عشر ، غير بيير هنري دي فالنسيان مسار رسم المناظر الطبيعية في فرنسا. مثل بوسين ، رأى أن رسم المناظر الطبيعية يستحق مكانة رسم التاريخ وعمل على إقناع الأكاديمية ومعاصريه. في عام 1800 نشر كتابًا رائدًا عن رسم المناظر الطبيعية ، وهو ممارسة El & # 233ments de منظور. أكد الكتاب على المثل الأعلى الجمالي لـ & # 34 المشهد التاريخي ، & # 34 الذي يجب أن يعتمد على دراسة الطبيعة الحقيقية. دفع نجاح الكتاب الأكاديمية إلى إنشاء جائزة لـ & # 34 منظرًا تاريخيًا & # 34 في عام 1817. سيستفيد الجيل القادم من رسامي المناظر الطبيعية الفرنسيين بشكل كبير من جهود فالنسيان. كان من بينهم جان بابتيست كميل كورو ، الذي تأثر بشدة بالمناظر الطبيعية التاريخية في فالنسيان وبأسفاره الخاصة في إيطاليا.

المناظر الطبيعية الحديثة
شهد القرن التاسع عشر العديد من المعالم في تاريخ فن المناظر الطبيعية. عندما غيرت الثورة الصناعية تقاليد الحياة الريفية ، انهار التسلسل الهرمي القديم للرعايا. اكتسب رسم المناظر الطبيعية في جميع أنحاء أوروبا وأمريكا الشمالية سيادة جديدة. أصبح رسامو باربيزون مثل Th & # 233odore Rousseau و Charles Daubigny أقل اهتمامًا بالمناظر الطبيعية الكلاسيكية المثالية وركزوا أكثر على الرسم خارج الأبواب مباشرة من الطبيعة وممارسة # 8212a المعروفة باسم طلاء الهواء plein. شهد القرن التاسع عشر أيضًا ولادة تصوير المناظر الطبيعية ، مما سيؤثر بشكل كبير على الخيارات التركيبية لرسامي المناظر الطبيعية. ظهر فنانون ثوريون ، مثل غوستاف كوربيه ، الذي دفع حدود رسم المناظر الطبيعية إلى أبعد من ذلك بجعلها تجربة ملموسة ومرئية. مهدت تقنيات الرسم الجذرية في كوربيه وروحها المستقلة الطريق للجيل القادم من الرسامين للانفصال عن الأكاديمية والانطباعيين # 8212. كان الانطباعيون ، المكونون من فنانين من بينهم كلود مونيه ، وكاميل بيسارو ، وأوغست رينوار ، وألفريد سيسلي ، يكرسون معظم حياتهم المهنية لدراسة ورسم المناظر الطبيعية ، والعمل في أغلب الأحيان خارج الأبواب. امتد تأثير استخدام Courbet المتميز للطلاء والطريقة التي صمم بها مناظر المناظر الطبيعية الخاصة به إلى ما هو أبعد من الانطباعية ، مما أثر بعمق على أعمال C & # 233zanne و Van Gogh ، وكذلك الرسامين في القرن العشرين.

التصوير الفوتوغرافي والمناظر الطبيعية في القرن العشرين
في أوائل القرن العشرين ، واصل الرسامون احتضان المناظر الطبيعية. نظرًا لاكتساب التصوير الفوتوغرافي القبول كشكل فني ، استخدم الفنانون الوسيلة لإنشاء تفسيرات للأرض من خلال التأثيرات التصويرية ، ولاحقًا من خلال التراكيب الرسمية للمناظر الطبيعية عن قرب والمقصورة. في أمريكا ، استحوذ المصور أنسل آدامز على انتباه البلاد بمناظره الخلابة للجمال البري للغرب الأمريكي. على الرغم من أن الحركات الفنية الرئيسية في منتصف القرن العشرين لم تعد تهيمن عليها المناظر الطبيعية كموضوع ، استمرت أهمية هذا النوع حيث استجاب الفنانون للمخاوف من زيادة التصنيع ، وخطر التدمير العالمي ، والكوارث البيئية.

في النصف الثاني من القرن العشرين ، تم تحدي تعريف المناظر الطبيعية والضغط عليه ليشمل مفاهيم مثل المناظر الطبيعية الحضرية ، والمناظر الطبيعية الثقافية ، والمناظر الطبيعية الصناعية ، وهندسة المناظر الطبيعية. استمر تصوير المناظر الطبيعية في التطور والارتفاع في شعبيته. استخدم المصورون الأمريكيون مثل روبرت آدامز وويليام أ.جارنيت الوسيلة لزيادة الوعي بمخاوف الحفظ. اليوم ، لا يزال المشهد الطبيعي موضوعًا يلجأ إليه الفنانون عند التفكير في الطرق التي نتعامل بها مع الأماكن التي نعيش فيها والتأثير الذي نحدثه نحن البشر على الأرض.


الرومان خلال الانحطاط

استغرق الأمر من توماس كوتور ثلاث سنوات لإكمال كتاب The Romans of the Decadence الذي تخون نسبه طموحات فنية كبيرة. لقد أراد أن يعطي زخماً جديداً للرسم الفرنسي وأن يفعل ذلك مشيراً ، تقليدياً إلى حد ما ، إلى سادة اليونان القديمة وعصر النهضة والمدرسة الفلمنكية. العمل عبارة عن لوحة تاريخية ، يُنظر إليها على أنها أنبل أنواع الأعمال الفنية خلال القرن التاسع عشر: لذلك كان عليها أن تمثل السلوك البشري وتنقل رسالة أخلاقية. هذا ما أوضحه كوتور نفسه ، الذي اقتبس سطرين من الشاعر الروماني جوفينال ، (حوالي 55 - 140 م) في كتالوج صالون 1847 حيث عُرضت اللوحة: & quot؛ كرويلر من الحرب ، سقط الرذيلة على روما وانتقم. العالم المحتل & quot.

في وسط اللوحة ، وضعت كوتور مجموعة من المحتفلين الفاسقين ، المنهكين وخائب الأمل أو ما زالوا يشربون ويرقصون. يظهر في المقدمة ثلاثة رجال لا يشاركون في حفلات السكارى: على اليسار ، صبي حزين يجلس على عمود وعلى اليمين زائران أجنبيان يرفضان المشهد. يبدو أن التماثيل العتيقة التي تلوح في الأفق فوق المجموعة تدين العربدة.

بصرف النظر عن توضيح نص قديم ، كان تصميم الأزياء يلمح إلى المجتمع الفرنسي في عصره. كان يعقوبًا ، جمهوريًا ومعاديًا للإكليروس ، انتقد التدهور الأخلاقي لفرنسا في ظل ملكية يوليو ، والتي فقدت الطبقة الحاكمة مصداقيتها بسبب سلسلة من الفضائح. وبالتالي فإن هذه اللوحة هي & quot؛ استعارة & quot؛ وقد سارع نقاد الفن لعام 1847 إلى رؤيتها في هؤلاء الرومان & quot؛ The French of the Decadence & quot.


أمبروسيا تونيسن (1859-1948)


كانت أمبروسيا تونيسن ترتدي سروالًا سروالًا (ملابس ركوب الدراجات الشعبية للنساء في تسعينيات القرن التاسع عشر) عندما كانت تعمل في الاستوديو الخاص بها.

النحات النرويجي أمبروسيا تونيسن (1859 & # 8211 1948) درست الفن في كوبنهاغن ، الدنمارك عام 1884 وقدمت أعمالها الأولى في معرض في بيرغن بالنرويج في نفس العام. بعد عام ذهبت إلى برلين لمواصلة دراستها الفنية وفي عام 1887 انتقلت إلى باريس حيث درست وعملت لأكثر من 20 عامًا. التقت أمبروسيا بزوجتها البريطانية ماري بانكس في عام 1888 وعاشا معًا لمدة 30 عامًا في باريس وبيرغن بالنرويج.


بالإضافة إلى كونها رسامة ، كانت فين صديقة لعالم الآثار كايلوس ومديرة الأكاديمية الفرنسية في روما. شمل هذا الجيل أيضًا جان بابتيست غريوز ، الذي رسم بعضًا من مواضيع التاريخ الكلاسيكي بالإضافة إلى مشاهد من الحياة المعاصرة اشتهر بها جان جاك لاغرين الأكبر ، مثل فيين مدير الأكاديمية الفرنسية في روما ونيكولاس- جاي برينيه.

كان الطالب البارز والأكثر نفوذاً بين النيوكلاسيكيين الفرنسيين وأحد الفنانين الرئيسيين في أوروبا هو تلميذ فيين جاك لويس ديفيد. كانت أعمال ديفيد المبكرة هي الروكوكو بشكل أساسي ، وعادت أعماله المتأخرة أيضًا إلى أنواع أوائل القرن الثامن عشر ، واستندت شهرته ككلاسيكي حديث إلى لوحات تعود إلى ثمانينيات وتسعينيات القرن الثامن عشر. بعد فوزه بجائزة بريكس دي روما للأكاديمية الفرنسية عام 1774 (مهمة في تاريخ الرسم الفرنسي لأنها منحت إقامة في روما ، حيث درس الفائزون اللوحات الإيطالية بشكل مباشر) ، كان في تلك المدينة في 1775-1781 ، وعاد هناك في عام 1784 لرسم "يمين الحوراتي" (انظر الصورة). من بين معاصري ديفيد ، أو شبه المعاصرين ، جان جيرمان درويس ، الذي كانت لوحاته التاريخية تعادل تقريبًا رسومات ديفيد في الشدة والحدة.

شمل الجيل الأصغر قليلاً من الرسامين جان بابتيست ريجنولت ولويس ليوبولد بويلي ولويس جوفييه. وتلتهم مجموعة أكثر أهمية ضمت بيير بول برودون. مزج برودون في لوحاته الكلاسيكية المعتدلة والمزاج الغنائي والأضواء الناعمة لكوريجيو الذي رعته الإمبراطورة جوزفين وماري لويز. رسم البارون بيير نارسيس غيران بأسلوب قريب من الكلاسيكية الجديدة لديفيد ، على الرغم من أنه لم يكن أحد تلاميذه.

من بين تلاميذ داود ، أصبح ثلاثة منهم مشهورين وواحد أصبح مشهورًا جدًا. يتمتع البارون فرانسوا باسكال سيمون جيرار بسمعة طيبة كرسام بورتريه في عهد كل من نابليون ولويس الثامن عشر. قام أنطوان جان جروس بإعدام العديد من لوحات نابليون الكبيرة وبعد وفاة ديفيد كان أحد رواد الكلاسيكية الجديدة في فرنسا. فازت آن لويس جيروديت دي روسي ، المعروفة باسم جيروديت تريوسون ، بجائزة بريكس دي روما لكنها توقفت عن الرسم بعد عام 1812 عندما ورث ثروة وتحول إلى الكتابة. كان التلميذ الشهير إنجرس ، الذي كان مهمًا ككلاسيكي جديد في لوحاته الموضوعية ولكن ليس في صوره.


تصوير فنان لروماني مريض - تاريخ

تُظهر لوحة جدارية من القرن السادس عشر لإحدى الكنائس رائد فضاء قديم يقفز عبر السماء. تم رسم هذا قبل مئات السنين من ظهور مفهوم الطائرات.

هناك الكثير من الأمثلة على الكائنات الفضائية في الفن القديم والتي تصور بوضوح حقيقة أن الأجسام الغريبة والكائنات خارج الأرض كانت موجودة في تلك الأيام. تظهر أطباق ET والصحون الطائرة في لوحات الكهوف والمنسوجات والرسومات الخشبية واللوحات.


يظهر الطبق الطائر في اللوحة الجدارية المبكرة

في مارس 1998 ، اكتشف علماء الآثار لوحة جدارية في الأنقاض المحيطة بروما. كانت اللوحة الجدارية عبارة عن لوحة مفصلة لروما القديمة ، لكن المنظر كان من الجو! العلماء مذهولون من أنهم لا يستطيعون معرفة كيف تم ذلك.

لوحة رسمها الرسام الفلمنكي جيلدر عام 1710 تصور معمودية المسيح. يوجد في الخلفية صورة واضحة لقرص طائر به أشعة ضوئية تنبعث منه وتسطع على الرضيع. لم يتم تنقيح اللوحة أو تغييرها بأي شكل من الأشكال. إنه معروض في متحف Fitzwilliam في كامبريدج ، إنجلترا.

تظهر هذه اللوحة التي تعود للقرن الخامس عشر لمريم العذراء جسمًا طائرًا في الخلفية. رجل يشير إليه وكلبه ينبح على الشيء.

لوحة القرن الخامس عشر

تُظهر لوحة رسمها غيرلاندايو في القرن الخامس عشر السيدة العذراء في المقدمة. في الخلفية ، هناك رجل ينظر إلى قرص. القرص به شرارات كبيرة قادمة منه والرجل يحمي عينيه من القرص. كلب على جانب الرجل ينبح في جسم غامض. تحمل اللوحة عنوان مادونا وسانت جيوفانينو ، ويمكن العثور عليها في مجموعة Loeser Collection ، Palazzo Vecchio ، في فلورنسا بإيطاليا. 34

ملاحظة حول اللوحات القديمة: إذا كنت فنانًا تعيش في القرن الثالث عشر حتى القرن الثامن عشر ، كان عليك اتباع بعض القواعد غير المكتوبة. إذا أردت أن تصور شيئًا غريبًا أو مختلفًا في لوحة ما ، فعليك أن تضع هذا العنصر الغريب في خلفية اللوحة. في المقدمة ، كان عليك رسم مشهد ديني أو رسم شخصيات دينية. وإلا ، فسيتم استنكارك على أنك عابد شيطان وستُحرق حرفيًا على المحك أو تُقطع رأسك. هذا هو السبب في جعل جميع الأجسام الغريبة في هذه الأعمال الفنية القديمة صغيرة وفي الخلفية. 28

توجد في جميع أنحاء قارة أستراليا رسومات قديمة على الصخور تُظهر كائنات ذات رؤوس صلعاء متضخمة وأعين كبيرة مائلة وشقوق أفواه. كما أنها تصور كرات برتقالية تطفو في السماء. 29

تصور لوحة كهف أفريقية كائنًا يرتدي غطاء رأس به قرون استشعار ويطير في الهواء. الكائن يحمل بين ذراعيه حيوان. اللوحة في طاسيلي إن أجر بإفريقيا. الكائن له عيون سوداء مائلة وشفتين رفيعتين. 30

يصور نقش خشبي قام به هانز جلاسر في عام 1566 معركة بين الأقراص الطائرة والأسطوانات الطائرة التي حدثت فوق نورمبرج بألمانيا في 4 أبريل 1561.


نقش خشبي يظهر معركة جوية فضائية في عام 1561

اكتشف عالم آثار روسي صفيحة قديمة في جبال نيبال. تُعرف باسم لوحة Valenov. تم تأريخ اللوحة بحوالي ألف عام. المادة المصنوعة منها اللوحة عبارة عن مزيج من المعدن والسيراميك ، وهي عملية غير ممكنة حتى يومنا هذا. تُظهر اللوحة بوضوح صحنًا طائرًا وكائنًا غريبًا.

نسيج من العصور الوسطى موجود في Collegiale Notre Dame ، بون ، فرنسا. يوجد في المقدمة رسم لمريم العذراء ، ولكن في الخلفية يوجد تصوير واضح لصحن طائر!


نسيج من العصور الوسطى مع صحن طائر في الخلفية


جاك لويس ديفيد أعمال فنية

قسم هوراتي يصور السرد من التاريخ الروماني المبكر. على اليسار ، ثلاثة جنود شبان يقتربون من والدهم متعهدين بالقتال من أجل وطنهم. يبدو أنهم حازمون وموحدون ، وكل عضلة في أجسادهم تعمل بنشاط ويتم وصفها بقوة ، كما لو كانت لتأكيد شجاعتهم ونكران الذات. كان هؤلاء الإخوة الرومان هوراتي يقاتلون ضد ثلاثة إخوة من كوراتي من ألبا لتسوية نزاع إقليمي بين دولهم المدينة. إنهم على استعداد للقتال حتى الموت ، والتضحية بأنفسهم من أجل المنزل والأسرة.

في تأكيد على نزاهتهم الأخلاقية ، قارن ديفيد مثالهم الإيجابي بالضعف. على اليمين ، النساء والأطفال ينهارون على بعضهم البعض ، تغمرهم مشاعرهم وخوفهم. في الواقع ، كانت المرأتين أكثر نزاعًا ، وهي كوراتي ، كانت متزوجة من واحدة من هوراتي بينما كانت أخت هوراتي مخطوبة لأخرى من كوراتي. بينما يشاهدون هذا التعهد الدراماتيكي ، يدركون أن أزواجهن أو إخوانهم سيموتون وأن ولاءاتهم منقسمة. يضع ديفيد هاتين المجموعتين العائليتين جنبًا إلى جنب ، ويقسم اللوحة ليس فقط إلى أدوار الذكور والإناث ، بل يقارن بين البطولي وغير الأناني والخائف وغير المؤكد.

ينعكس هذا الوضوح أيضًا في شدة التكوين والأسلوب بينما بدأ الفنانون الأوائل في التنقيب عن الروايات اليونانية الرومانية باعتبارها اتجاهًا عصريًا في الفن ، ولم يوحِّد أي فنان آخر هذه القصص مع بساطتها وبساطتها الأسلوبية. لا يوفر الإعداد الذي يشبه المسرح ، والذي تنظمه الأقواس المتناثرة في الخلفية ، أي إلهاء عن الدرس الذي يتم تدريسه. يساهم كل شكل وكائن في اللوحة في هذه الأخلاقية المركزية.

في الواقع ، اخترع ديفيد هذا المشهد حتى ينقل بدقة جوهر السرد وتداعياته الأخلاقية. لا في التاريخ المكتوب ولا في إنتاج هذه القصة في القرن الثامن عشر ، هل يتعهد الأبناء بأبيهم. أضاف ديفيد هذا العنصر لأنه سمح له بتكثيف الملحمة الأكبر في لحظة مفردة ، وخلق أقوى شحنة عاطفية ممكنة.

عزز الاستقبال الحماسي لهذه اللوحة في الصالون سمعة ديفيد كفنان رائد في الطراز النيوكلاسيكي الجديد. على الرغم من أن العمل كان أول تكليف ملكي له ، وأن تركيزه على نكران الذات والوطنية تم تصوره مع وضع النظام الملكي في الاعتبار ، إلا أن تصويره للأخوة والتضحية البطولية سيتردد قريبًا مع الثورة الفرنسية عام 1789.

زيت على قماش - مجموعة متحف اللوفر ، باريس ، فرنسا

وفاة سقراط

رواية أخرى عن التضحية بالنفس والكرامة الرواقية ، قدم ديفيد انتحار سقراط كعمل مثير للإعجاب ونبيل. في المشهد الخالي من زنزانته في السجن ، يهدف الجسم العضلي للفيلسوف المسن إلى نقل لياقته الأخلاقية والفكرية. يجلس منتصبًا ، يستعد لابتلاع وعاء الشوكران السام دون أي تردد أو شك ، ويفضل الموت على التخلي عن تعاليمه. رفعت ذراعه في إيماءة خطابية ، حيث كان يلقي المحاضرات حتى آخر لحظة له ، بينما يُظهر طلابه مجموعة من الاستجابات العاطفية لإعدامه.

تستمد لوحة ديفيد من رواية أفلاطون للحدث ، وربط هذه اللوحة بمصدر كلاسيكي حتى الآن ، كما في قسم هوراتيحصل ديفيد على رخصة فنية للتلاعب بالمشهد من أجل تأثير درامي أكبر. يقضي على بعض الشخصيات المذكورة في رواية أفلاطون ويمثل شخصية سقراط المسنة ، مما يجعل رسالته عن المنطق البطولي والفكر واضحة للمشاهد.

مع تصاعد التوترات في فرنسا ما قبل الثورة ، سرعان ما أصبح تصوير ديفيد للمقاومة ضد سلطة غير عادلة شائعًا. في رسالة إلى الرسام البريطاني الشهير السير جوشوا رينولدز ، ادعى الفنان جون بويدل أنه "أعظم جهد فني منذ كنيسة سيستين ومقطع رافائيل".

زيت على قماش - متحف المتروبوليتان للفنون ، مدينة نيويورك

عودة Lictors إلى بروتوس أجساد أبنائه

In the dark shadows that fall across the lower left corner, sits a man on a bench looking out at the viewer, his facial expression is difficult to decipher. Separated from the rest of the composition by this darkness, as well as a Doric column and silhouetted statue, the viewer's eye moves from him to the brightly lit, dramatically posed woman to the right. Her two children cling to her, as she reaches out an arm, a movement that is balanced by a figure in blue who has collapsed. Following this outstretched arm, the viewer finally arrives at the titular subject - the light falls upon a corpse being borne on a stretcher. The circuit connecting these three main actors: Brutus, his wife, and his dead son, is a tight circle, creating through light and gesture.

David uses these two fundamental components to succinctly retell a story from Roman history here, Brutus, a father, has sentenced to death his two sons because of their treasonous actions. His patriotism was greater than even his love for his family, although his stoic grief reveals the dear cost of this conviction.

This painting, with its messaging about patriotism, loyalty, and sacrifice, was due to be exhibited at the Salon in the earliest days of the Revolution. The royal authorities, still in control of the exhibition, examined each work to ensure that it would not contribute to the political instability and further jeopardize the stability of the monarchy. One of David's paintings, a portrait of a known Jacobist, was refused, as was this charged depiction of Brutus. When this was announced, there was a public outcry the painting was ultimately displayed under the protection of David's students. The painting inspired a passionate following and permeated popular culture this work was even re-enacted with live actors from National Theatre following a November 1790 performance of Voltaire's بروتوس.

Oil on canvas - Collection of Musée du Louvre, Paris, France

Oath of the Tennis Court

To mark the first anniversary of the Tennis Court oath, a moment of solidarity that sparked the revolution, David began an ambitious project. The monumental scale of this planned painting required nearly life-size portraits of the main actors. In this preparatory drawing, he included depictions of key leading figures, including Jean-Sylvestre Bailly and Maximilien Robespierre.

History painting had traditionally been the highest genre of painting, but was limited to the distant past. This project was innovative in its focus on contemporary history. When the drawing was exhibited, however, it was met with mixed reviews. While one supporter called David "the King of the learned brush," some of the Revolution's opponents found it offensive, bordering on treason for its celebration of the defiant insurrectionists France was, at the time of this preparatory work, still operating under the limited powers of Louis XVI.

Its contemporaneity was its downfall: by the time David was prepared to begin the paintings, the volatile political situation had shifted. With the dawn of the Reign of Terror, many of the principals featured in the work were considered enemies of the state and would soon be executed. The Tennis Court oath was no longer a celebrated moment of Revolutionary history and plans for its commemoration were forgotten. Only partial sketches remain for a monumental, but aborted, commemoration of this first victory of the people.

Pen and brown ink, brown wash with white highlights - Collection of Musée du Chateau de Versailles, Versailles, France

The Death of Marat

Once more turning to contemporary politics, David was commissioned to create a memorial to Jean-Paul Marat following his 1793 assassination by Charlotte Corday. A French politician, physician, journalist, and a leader of the radical Montagnard faction, Marat had been murdered while sitting in a medicinal bath that alleviated the symptoms of a painful skin condition. David's painting combines such factual information (including a legible version of Corday's deceptive plea, calculated to gain an audience with Marat) along with highly symbolic elements of propaganda to create an image that elevates Marat to martyrdom. يشار إليها أحيانًا باسم Marat Breathing his Last, we see the humble workspace of a tireless public servant: only his bath and a simple box that serves as his writing desk.

This sparse composition forces the viewer to contemplate the body of Marat, which appears peacefully splayed. The knife wound, visible on his chest, is barely indicated and only glimpses of the bloody bathwater hint at the preceding violence. Although the Revolutionary government had outlawed religion, David created a visual analogy between Marat and images of the dead Christ. The graceful sweep of Marat's arm mirrors Michelangelo's Pieta and other scenes of the Deposition from the Cross the white turban wrapped around Marat's head serves as a proxy for a halo.

David's clear sympathies for Marat and his transformation of the politician into a timeless martyr made this painting became highly problematic after the fall of the Jacobin government it was returned to David in 1795 and remained in his possession until his death. Hidden from view, it was only rediscovered in the mid-19 th century, when it was celebrated by the poet Charles Baudelaire.

In the 20 th century, David's iconic memorial to Marat was a touchstone for artists engaged with politics. Edvard Munch and Pablo Picasso both did versions of the painting, as did the Chinese painter Yue Minjun. The socially conscious Brazilian artist, Vik Muniz, used David's painting as inspiration for one of his Pictures of Garbage series in these works, he traveled to the world's largest landfill, Jardim Gramacho (located outside of Rio de Janeiro) to work with the catadores, people who picked through garbage, transforming the detritus to recreate great masterpieces, including David's painting.

Oil on canvas - Collection of Musées Royaux des Beaux-Arts, Brussels, Belgium

The Intervention of the Sabine Women

Painted during the waning years of the Revolution, David's The Intervention of the Sabine Women suggests the nation's fatigue and a growing desire for peace. Indeed, while the subject is taken from Roman history, it represents a different type of narrative, highlighting the role of the Sabine women in bringing peace between their countrymen and the Romans. Coming after years of conflict, following the Roman abduction of these women, it represents a complicated scene with multiple loyalties in play. The analogies to the post-Revolutionary government are clear.

From a technical perspective, this work features a much more complex narrative. The focus rests on the bare-chested woman in white, but a number of emotional vignettes compete for the viewer's attention. This represents a change from David's earlier, more singular plots, and demands a new approach to looking at the painting in stages. In the original exhibition of the piece, David broke with tradition by placing a mirror on the wall opposite the painting. In this modern installation, the traditional idea of viewer engagement was radically shifted. Onlookers could turn away from the work and see it reflected in the mirror, which would enhance the experience by allowing the viewers to feel that they were part of the action itself. This participatory quality would become a central concern for artists of the 20 th century.

In 1972, the Italian artist Luigi Ontani, based a performance on this painting. After David (The Rape of the Sabines) included Ontani as one of the nude Roman soldiers, holding a reproduction of the painting. He intended the work to encourage viewers to consider the behaviors of past civilizations.

Oil on canvas - Collection of Musée du Louvre, Paris, France

Bonaparte Crossing the Grand Saint-Bernard Pass, 20 May 1800

An image of absolute control, confidence, and optimism, Bonaparte Crossing the St Bernard Pass is a large-scale equestrian portrait of the ruler. Shown heroically conquering this inhospitable terrain, Napoleon secures his place in history alongside two other generals who found victory in this same difficult military approach their names are inscribed on the rocks in the lower left corner: Hannibal, and Charlemagne.

Napoleon had come to power through a military coup in 1799, declaring himself First Consul and seizing command. This painting represents this bold general and his ability to maintain control in the face of chaos and danger. Although the horse rears up on the edge of a rocky precipice, Napoleon calmly holds the reins in one hand while gesturing forward with his other arm. The movement of the horse is echoed in the flowing golden yellow cape of Bonaparte. Everything about the leader suggests a forward trajectory, highlighting his ability to lead France above the turmoil of the Revolutionary period. While David had supported the Revolution, he committed himself to the new French leader Bonaparte (who had restored David's reputation and financial success) and painted many portraits of the general that helped to legitimize his claim to authority.

This work was commissioned by King Charles IV of Spain, who admired the leader and was relieved at the restoration of order to neighboring France. The actual moment depicted was entirely fictitious: although Napoleon led his troops over the Alps, he rode a mule through a narrow mountain trail (as the soldiers in the distance are shown). Indeed, Napoleon even refused David's request to sit for the portrait, stating, "No one knows if portraits of great men are likenesses: it suffices that genius lives." Instead, David used models wearing Napoleon's clothes to pose for the hero. The painting originally was displayed in the Spanish royal palace, but Napoleon quickly ordered three copies for himself. David was subsequently named First Painter to Napoleon in 1801 and he, and his students, would provide official portraits and propaganda throughout the emperor's reign.

Oil on canvas - Collection of Musée National de Malmaison, Rueil-Malmaison, France

The Coronation of the Emperor and Empress

The December 2, 1804 ceremony that named Napoleon Bonaparte Emperor of France was an elaborately choreographed affair. Wanting to recreate Charlemagne's coronation as Holy Roman Emperor, the presence of the Pope was requested. Famously, at the last moment, Napoleon took the crown from Pius VII hands and crowned himself but this audacious act was not the subject of David's monumental painting, The Coronation of the Emperor and Empress. Instead, David chose the less controversial moment when Napoleon crowned his wife, Josephine, in front of a crowd of dignitaries in Notre Dame Cathedral. The epic scale of this painting (at nearly 30 foot long, the majority of the portraits were life-size) spoke to Napoleon's desire to legitimize his reign through displays of grandiose power.

David characteristically enhanced the actual event to greater dramatic effect. For example, Napoleon's mother appears as a central figure at the event, seated in one of the main boxes, although she was not actually present at the coronation. Details of the opulence and magnificence of the event, however, were carefully recorded to create a document attesting to Napoleon's political power. Napoleon does seem to upstage the Pope here, too, as the center of attention and the most active figure in the composition. With this highly prestigious commission, David not only reasserted himself as a leading painter in France, but in its abundance of detail and contemporary nature, he demonstrated his ability to manipulate his classical style to suit very different depictions.

Oil on canvas - Collection of Musée du Louvre, Paris, France

Mars Disarmed by Venus and the Three Graces

Mars Disarmed by Venus and the Three Graces was David's last painting, one he intended to be a final statement about his oeuvre. When he began it in 1821, he announced, "It is the last of the paintings I want to do, but I want to surpass myself in it. I will inscribe it with the date of my seventy-fifth year, and after that I never want to touch a brush again."

Exiled in Belgium and in failing health, one is tempted to read his choice of subject as a nod towards reconciliation and peace. Venus, goddess of love crowns the god of war, Mars, her hand perched suggestively on his thigh. While the subject is drawn from Roman mythology and the paint handling is linear and crisp, the painting differs radically from the examples of his earliest and most famous years. Set in a decorative and fantastical heavenly space, David's heroic man is supplanted by the dominant figure of a reclining female nude. Both the narrative and the composition are more feminine than masculine.

For years, scholars considered this work to be an example of David's declining faculties his late work was derided as inferior and often omitted from serious discussions of his career. Yet, it is possible that David chose to reinvent his style for his last painting to demonstrate his continued relevance to an art world that had abandoned Neoclassicism in favor of Romanticism. David's own student, Jean-Auguste-Dominique Ingres, was gaining attention at the time for his languid female nudes and there was new preference for more literary and imaginary subjects. If we consider the painting in this context, David's ability, at this late hour of his life, to evolve beyond his typical style, speaks to heart of modernism and its ever-changing nature.

Oil on canvas - Collection of Musées Royaux des Beaux-Arts, Brussels, Belgium


Church of Sainte-Foy (c. 1050-1130)

This pilgrimage church, the center of a thriving monastery, exemplifies the Romanesque style. Two symmetrical towers frame the west façade, their stone walls supported by protruding piers that heighten the vertical effect. A rounded arch with a triangular tablature frames the portal, where a large tympanum of the Last Judgment of Christ is placed, thus greeting the pilgrim with an admonition and warning. The grandeur of the portal is heightened by the two round, blind arches on either side and by the upper level arch with its oculus above two windows. The façade conveys a feeling of strength and solidity, its power heightened by the simplicity of decorative elements. It should be noted that this apparent simplicity is the consequence of time, as originally the tympanum scene was richly painted and would have created a vivid effect drawing the eye toward the entrance. The interior of the church was similarly painted, the capitals of the interior columns carved with various Biblical symbols and scenes from Saint Foy's life, creating both an otherworldly effect and fulfilling a didactic purpose.

Saint Foy, or Saint Faith, was a girl from Aquitaine who was martyred around 287-303, and the church held a gold and jeweled reliquary, containing her remains. The monks from the Abbey stole the reliquary from a nearby abbey to ensure their church's place on the pilgrimage route. Over time, other relics were added, including the arm of St. George the Dragon Slayer, and a gold "A" believed to have been created for Charlemagne. The construction of the church was undertaken around 1050 to accommodate the crowds, drawn by reports of various miracles. The church was designated a UNESCO World Heritage Site in 1998 for its importance on the pilgrim route and also as a noted example of early Romanesque architecture.

A scene from the Bayeux Tapestry (11 th Century)

This scene from the famous tapestry shows Odo, Bishop of Bayeux, carrying an oak club while riding on a black horse, as he rallies the Norman forces of Duke William, his half-brother, against the English at the Battle of Hastings in 1066. Careful attention is given to the tack of the horses, the details of the men's helmets and uniforms, while the overlay of plunging horses, their curving haunches and legs, creates a momentum that carries the narrative onward into the next scene. In the lower border, a horse is falling, while its rider, pierced with a long spear collapses on the right. At both corners, other fallen soldiers are partially visible, and convey the terrible effects of battle, while the charge to victory gallops on above them. As art critic Jonathan Jones noted, "The Bayeux tapestry is not just a fascinating document of a decisive battle in British history. It is one of the richest, strangest, most immediate and unexpectedly subtle depictions of war that was ever created."

The tapestry, about 230 feet long and 21 inches tall, is a sustained narrative of the historical events that, beginning in 1064 lead up to the battle, which ended in the Norman conquest of England and the rule of William the Conqueror, as he came to be known. The upper and lower borders, each 2-¾ inches wide, shown in this sample, continue throughout the tapestry, as does the use of a Latin inscription identifying each scene. The images in the borders change, echoing the narrative, as during the battle the pairs of fantastical animals in the lower border is replaced by the images seen here of fallen soldiers and horses. Similarly when the invasion fleet sets sail, the borders disappear altogether to create the effect of the vast horizon. The borders also include occasional depictions of fables, such as "The Wolf and a Crane" in which a wolf that has a bone caught in its throat is saved by a crane that extracts it with its long beak, which may be a subversive or admonitory comment upon the contemporary events.

Though called a tapestry, the work is actually embroidered, employing ten different colors of dyed crewel, or wool yarn and is believed to have been made by English women, whose needlework, known as Opus Anglicanum, or English work, was esteemed throughout Europe by the elite. The Bayeux Tapestry was a unique work of the Romanesque period, as it depicted a secular, historical event, but also did so in the medium that allowed for an extended narrative that shaped both the British and French sense of national identity. As art historian Simon Schama wrote, "It's a fantastic example of the صناعة of history." The work, held in France, was influential later in the development of tapestry workshops in Belgium and Northern France around 1500 and the Gobelin Tapestry of the Baroque era.

Duomo di Pisa (1063-1092)

The entrance to Pisa Cathedral, made of light-colored local stone, has three symmetrically arranged portals, the center portal being the largest, with four blind arcades echoing their effect. The round arches above the portal and the arcades create a unifying effect, as do the columns that frame each entrance. The building is an example of what has been called Pisa Romanesque, as it synthesizes elements of Lombard Romanesque, Byzantine, and Islamic architecture. Lombard bands of colored stone frame the columns and arches and extend horizontally. Above the doors, paintings depicting the Virgin Mary draw upon Byzantine art, and at the top of the seven round arches, diamond and circular shapes in geometric patterns of colored stone echo Islamic motifs. The upper levels of the building are symmetrically arranged in bands of blind arcades and innovatively employ small columns that convey an effect of refinement.

The name of two architects, Buscheto, and Rainaldo, were inscribed in the church, though little is known of them, except for this project. Buscheto was the initial designer of the square that, along with the Cathedral, included the famous leaning Tower of Pisa, done in the same Romanesque style, visible here in the background, and the Baptistery. Following his death, Rainaldo expanded the cathedral in the 1100's, of whom his inscription read, "Rainaldo, the skilful workman and master builder, executed this wonderful, costly work, and did so with amazing skill and ingenuity."

Dedicated to the Assumption of the Virgin Mary, the church was consecrated in 1118 by Pope Gelasius II. The church's construction was informed by the political and cultural era, as it was meant to rival St. Mark's Basilica then being reconstructed in Venice, a competing maritime city-state. The building was financed by the spoils of war, from Pisa's defeat of Muslim forces in Sicily, and it was built outside of the walls to show that the city had nothing to fear. The Pisa plaza became a symbol of the city itself, as shown by the famous Italian writer Gabriele D'Annunzio calling the square, "prato dei Miracoli," or "meadow of miracles" in 1910, so the plaza has been known since as the "Field of Miracles."


شاهد الفيديو: شاهد عقاب الله للفنانه الهام شاهين بعد ان تركت الاسلام بافعلها لن تصدق ما حدث لها!!


تعليقات:

  1. Deryck

    في رأيي أنت مخطئ. أعرض مناقشته.

  2. Carvell

    بالتأكيد. انا اربط كلامي بالكل. يمكننا التواصل حول هذا الموضوع. هنا أو في PM.

  3. Searlus

    موضوع لا تضاهى ، أحب :)



اكتب رسالة